지휘자는 음악 표현의 아버지
환영 – 소리와 침묵은 음악의 원료입니다
소리와 침묵은 음악의 기본 원료입니다. 진정, 자극, 진정, 움직임, 동기 부여, 말하기, 개선, 설명, 저어, 축하, 치유, 연결, 표현, 도달 및 만족합니다. 음악의 영혼은 음표, 패턴 및 리듬을 표현 적으로 해석하여 풀어집니다. 음악은 동시에 복잡하고 단순합니다. 음악은 주인이며 음악가는 노예입니다.
음악가는 완벽하게 악보를 읽고 맥동 측정기의 리듬과 심장 박동 내에 살아야합니다. 음악적 해석은 그것을 창조 한 사람에게 맡겨져 있습니다. 지휘자는 음악 표현의“아버지”이며 오케스트라의 뮤지션들에게 함께 시끄럽고 부드럽게, 느리게, 빠르게, 시작 및 정지하도록 신호합니다. 모든 싱글 음악가와 보컬리스트는 모든 음을 완벽하게 연주하는 방법을 알아야 할뿐만 아니라 지휘자와 표현을 따라야합니다.
감정이없는 지루한 음악 음악은 기대를 설정하고 만족시킵니다. 음악가들은 타이밍과 음량의 미세한 편차를 도입하여 작품에 느낌을 불어 넣습니다. 기대로부터의 모든 편차는 이후의 기대를 약화시켜 추가 편차의 영향을 약화시키는 경향이있다. 템포의 순간적인 변화는 감정의 색조를 가져옵니다.
모든 감정은 부정적이거나 긍정적입니다. 부정적인 감정은 경험이 기대에 미치지 못할 때 발생합니다. 그러나 우리는 작은 긍정적 인 정서적 사건이 지속적으로 발생할 때 행복감을 느끼고, 작은 부정적인 사건이 발생하면 우울하거나 짜증을 내게됩니다. 음악이 어떻게 감정을 만들어 내는지 알 수 있습니다.
피아노 연주는 마음에 평화를 가져다
음악의 로드맵과 신호는 음악 용어입니다
음악은 많은 사람들의 삶에서 중심적인 역할을합니다. 음악의 작동 방식에 대한 지식이 많을수록 음악을 감상하고 모든 유형의 음악을 즐길 수 있습니다.
음악에 대한 이해를 높이고 음악 자체에 대한 정서적 반응을 높이기 위해 가장 많이 사용되는 음악 용어와 정의를 나열했습니다.
악기를 연주하는 사람들에게이 음악 용어는 악기 언어입니다.
베이스 음자리표라고도하는 F 음자리표
음악에서 발견되는 일반적인 용어, 정의 및 의미
- 순서. 다른 음정에서 구의 연속적인 조옮김 및 반복.
- 멜로디를 조정하십시오 .
- 우나 코다 피아노의 뮤팅 (또는 댐핑) 메커니즘.
- 지그. 16 세기에 시작된 활기찬 영어 춤; 그것은 유행이되었다.
- 재즈. 1 차 세계 대전 직후 미국의 블랙 커뮤니티에서 등장한 강력한 영향력있는 음악 형식으로 블루스 및 래그 타임을 포함한 다양한 스타일을 통합했습니다. 상업 음악가들에 의해 채택되어 더 넓은 음악 문화에 전파되었습니다.
원래 독창성이 뛰어나고 작은 악기 그룹에서만 연주되는이 곡은 스윙 및 비밥과 같은 여러 형태로 발전하여 빅 밴드 앙상블의 형태로 인기를 얻었습니다.
그것은 재즈 관용구를 썼던 많은 사람들이 전쟁기의 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤다. 마찬가지로 재즈에 기원을 둔 많은 뮤지션들은 예술 음악의 맥락에서 지속되는 것으로 입증 된 작품들, 특히 George Gershwin을 제작했습니다.
- 아카펠라 악기 반주없이.
- 알레그로 활기차고 빠르며 활기차고 활발합니다.
- Appassionato . 열정적으로.
- 이진 . 두 부분으로 된 음악적 형태. AB.
- 편. 합창, 합창 또는 성가.
- 대조 o. 가장 낮은 노래 여성 목소리.
- 증강. 더 크게 만들려면 크기를 늘리십시오. 음악에서 5 번째로 증가 된 것은 5 단계 톤을 반 단계 높이는 것입니다.
음악가와 학생이 음악 용어에 익숙해 짐에 따라 자신감은 새로운 수준으로 올라가고 음악은 음악가와 관객 모두에게 새롭고 때로는 열정적 인 느낌을받습니다.
음악가는 음악가와 음악 용어 및 정의를 배워야합니다
모든 음악 애호가를위한 표준 음악 용어에 대한 추가 정의
- 낙관적 — 바의 시작 부분에서 가장 강한 악센트가있는 비트입니다.
- 다이내믹스 - 그라데이션 시스템으로 표시되는 음악의 음량 또는 부드러움; 가장 부드러운 것에서 가장 큰 것까지 pp, p, mp, mf, f, ff입니다. 극단은 양방향으로 확장되었습니다.
- Espressivo — 표현력이 뛰어납니다 .
- 소프라노 - 가장 높은 여성 목소리.
- 스타카토 (Staccato) — 약식 및 분리 된 메모.
- 팀버 (Timbre) — 악기, 음성 또는 레지스터의 톤 "색상"입니다.
- 키 서명 — 각 음악 줄의 시작 부분에있는 샤프 또는 플랫은 음악의 키를 나타냅니다.
- 모데라토 — 적당한 템포.
- 운동 - 큰 작품의 별도 섹션.
- 음악학 — 음악에 대한 이론적이고 역사적인 연구
- 중간 C — 피아노 키보드 중앙의 C 정도 (약 초당 262 회 진동).
- Riff — 현대적인 팝송 또는 재즈 곡을 반복적으로 모티브로하거나 자제합니다.
- 모노톤 — 단일 피치 반복.
- Chant — 음성 리듬과 유사한 무료 리듬으로 성스러운 텍스트를 노래하는 일원.
- Crescendo- 꾸준히 볼륨이 증가합니다.
- 전체 톤 스케일 — 각 음표가 전체 톤 간격으로 분리되는 스케일입니다. 전체 톤 스케일은 옥타브 당 6 도로 구성됩니다. 대중 음악으로 발전한 전체 톤 스케일의 대표적인 예는 Stevie Wonder의 1972 년 노래 "You Are The Sunshine In My Life"의 3 번과 4 번 바입니다.
- 메이저 코드와 마이너 코드 – 마이너 코드와 메이저 코드의 실제 차이점은 세 번째입니다 (단, 기본 코드는 강장제 + 세 번째 + 다섯 번째입니다 ). 마이너와 메이저 3 분의 1은 서로 반 걸음 떨어져 있지만, 이 작은 차이는 주어진 노래 부분의 감정적 품질을 크게 변화시킵니다. 다음과 같은 것을 듣는 것이 일반적입니다.
“사소한 3 분의 1은 화음을 더 슬프게 만듭니다. 반면에 주요 3 분의 1이 더 행복해졌습니다.”
- MF— Mezzo Forte. 이 이탈리아 용어는 중간 소리를 의미합니다.
왜 음악 이론을 배우는가?
피아노 강사로서 나는 음악 이론을 배우는 학생들이 다음과 같은 방식으로 이익을 얻는다는 것을 알았습니다.
- 학습 과정을 촉진합니다. 예를 들어 다른 키로 스케일을 학습 할 수 있습니다. 학생은 음악의 본문에서 특정 음계를 인식합니다. 그는 스케일을 연습 했으므로 즉시 유창하게 연주하므로 연습 시간을 절약 할 수 있습니다.
- 학습 간격. 간격을 잘 알고 있으면 학생이 시력을 잘 읽게됩니다.
- 음악 이론에 대한 지식은 더 나은 보수를 얻기 위해 필수적입니다.
- 이론을 아는 것은 자신감을 향상시킵니다.
- 창작 과정은 즉흥적으로 해석 할 수 있도록 설정되어 있습니다.
- 모든 잘 훈련 된 음악가들은 이론을 아는 데 탁월합니다.
- 그룹 연주에는 음악 지식이 필요합니다.
- 음악이 어떻게 작동하는지 이해하는 것은 모든 악기 연주자의 기초입니다.
다른 악기를 사용하여 음악 재생
마지막 생각들
보컬을 포함한 모든 음악가는 연주 할 때 제안 된 음악 용어를 따라야 할 개인적인 책임이 있습니다. 작곡가는 음악, 템포, 역학 및 표현 해석에 대해 이유를 언급했습니다. 그는 작곡을 해석하는 데 도움이되도록 음악을 쓰고 음악 용어 (방향)를 추가했습니다.
음악 용어와 정의를 계속 배우십시오. 음악 용어의 의미를 찾으면 연주에 적용하십시오. 이 습관을 통합하면 작곡가가 의도 한 방식으로 걸작을 연주하고 청중에게 감정적이고 만족스러운 경험을 선사 할 것입니다.
프렌치 호른 하나를 제외하고 천둥처럼 시끄럽게 연주되는 매우 부드러운 다이나믹에서 베토벤을 연주하는 전체 심포니 오케스트라를 상상할 수 있습니까?
물론, 그는 오케스트라가 빠르고 느리게 또는 느리게 연주하도록 지시하면서 지휘자를 지켜보아야합니다. 오케스트라 리허설의 주된 이유 중 하나는 모든 음악가가 음악에서 주어진 역동 성과 음악적 용어를 따르고 있는지 확인하는 것입니다.
아티스트의 최종적이고 가장 중요한 책임은 해석하고 창작하여 음악 자체에 생명을 불어 넣는 것입니다.
음악 자체는 다른 언어이지만 언어는 보편적입니다.
“메모를주지 마십시오. 메모의 의미를 알려주세요.”
–Pablo Casals, 첼리스트
