심포니 개요
교향곡이란 무엇입니까? 거의 오케스트라를 위해 쓰여진 확장 된 길이의 악기 구성입니다.
300 년이 넘는 역사를 가진 Symphony는 오늘날 악기 클래식 음악의 정점으로 널리 알려져 있습니다. 베토벤, 브람스, 모차르트, 말러 및 브루크너는 장르와 거의 동의어이며 교향곡을 위해 작곡 한 작품은 시대를 초월합니다.
교향곡은이 위대한 작곡가들과 함께 일하고 초월 할 수있는 구조를 제공했으며, 존재하는 가장 큰 음악 작곡을 통해 세상에 창의성을 발휘할 수있게 해주었습니다. 교향곡의 기원은 이러한 작곡가의 작품보다 먼저 존재하지만, 가장 초기의 교향곡 작곡가는 위에서 언급 한 작곡가에 엄청난 영향을 미쳤습니다.
지오바니 바티스타 삼 마르티니
첫 교향곡
첫 교향곡은 1730 년대 밀라노와 주변 롬바르디아 지역에서 시작되었습니다. 아이러니하게도, 교향곡은 원곡의 대부분을 오페라, 성악 클래식의 절정으로 추적 할 수 있습니다. 이탈리아 오페라의 시작 부분에서 연주되었던 서곡은 Sinfonia로 불리며 현대 교향곡의 이름이 붙습니다.
첫 번째 교향곡에는 보통 3 개의 무브먼트 만 포함되었으며 훨씬 작은 오케스트라 (25-30 명)를 위해 작곡되었으며 후임자가 교향곡을 쓰는 것보다 훨씬 짧은 길이 (10-20 분)를 가졌습니다. 그들은 보통 느리게 빠른 움직임 구조를 따랐다. 첫 번째 움직임은 보통 알레그로, 두 번째 움직임은 안단테이며, 피날레는 그 당시에 유행이나 춤처럼 인기있는 댄스를 기반으로 한 댄스 운동 일 것이다. 미뉴에트.
초기 교향곡의 가장 유명한 작곡가는 이탈리아 작곡가 Giovanni Battista Sammartini입니다. 삼 마르티니는 대부분의 교향곡 작품에 느리게 빠른 움직임 구조를 통합했으며, 첫 번째 움직임에 이전 버전의 소나타 형식을 사용하기 시작했습니다. 소나타 형식은 많은 후속 교향곡의 첫 움직임에 자주 사용되는 구조였습니다. 심포니의 인기와 성공으로 인해 유럽 전역에 퍼져 음악적 매체로 계속 성장할 수있었습니다.
만하임의 교향곡
심포니가 유럽을 돌아 다니면서 비엔나와 파리가 연결되기 전에 가장 주목할만한 목적지 중 하나가 독일의 만하임 도시였습니다. 1700 년대 중반에 만하임은 유럽에서 가장 활발한 뮤지컬 센터 중 하나였으며 오케스트라는 보헤미안 작곡가 요한 슈타미츠 (Johan Stamitz)에서 유럽 최고로 명성을 얻었습니다.
심포니의 역사와 만하임의 중요성은 장르와 관련이있을뿐만 아니라 심포니의 주요 수단 인 오케스트라의 발전과도 관련이 있습니다. 만하임의 오케스트라는 뛰어난 다목적 성과 다이나믹 레인지로 유명하여 다른 유럽 국가들이 따라야 할 새로운 표준을 세웠습니다. 오케스트라가 매우 조용히 연주에서 매우 큰 소리로 연주 할 수있는 능력을 유럽의 동시대 인들은 만하임 크레센도 (Mannheim Crescendo)라고 불렀으며, 이후의 작곡가들은 작곡에 포함시켜이 사운드를 활용하기 시작했습니다. 오케스트라 공연의 기준을 높이면 더 많은 작곡가가 심포니를 작곡하고 작곡하도록 장려했습니다.
Stamitz는 또한 4 개의 무브먼트 심포니를 정기적으로 작곡하기 시작한 최초의 작곡가가 됨으로써 심포니의 성장에 기여했습니다. 그가 추가 한 추가 운동은 프레스토 피날레와의 교향곡을 마무리하기 전에 세 번째 운동으로 배치 할 미뉴에트와 트리오였습니다.
Stamitz는 또한 교향곡의 첫 번째 움직임에서 소나타 형식의 길이를 확장했으며 이전 모델과 비교했을 때 소나타 형식에 포함 된 두 테마 그룹 사이에 더 큰 대비를 제공했습니다 (이것은 Stamitz의 Symphony in E- 플랫 옵션 11 # 3). 그는 또한 오보와 혼과 같은 교향곡에 더 많은 악기와 새로운 악기를 추가하여 오케스트라의 크기를 늘 렸습니다.
조셉 하이든
심포니와 조셉 하이든
교향곡은 오스트리아의 작곡가 Joseph Haydn이 가장 크게 성장했습니다. 하이든의 삶이 끝날 무렵 그는 100 개가 넘는 교향곡을 썼으며 오늘날 우리가 그것을 크게 인식하는 방식으로 장르를 형성했습니다. 역사는 Haydn을 그의 작품의 질에 대한 교향곡의 아버지로 기억하고 19 세기의 일반적인 연습기의 탄생 동안 정기적으로 수행 된 초기 교향곡은 Haydn의 것이기 때문입니다.
하이든은 네 가지 운동 형태를 표준화했다. 전형적인 하이든 심포니는 다음과 같은 방식으로 구성됩니다.
- 첫 번째 운동 : 소나타 알레그로 형식
- 두 번째 운동 : 삼항 형태의 안단테 또는 수정 된 주제 및 변형
- 세번째 운동 : 미뉴에와 트리오
- 네번째 운동 : 피날레는 보통 론도 형식이지만 때때로 소나타 형식
이 개요를 통해 하이든은 교향곡의 표현력을 높이고 이후의 모든 교향곡 작곡가를위한 표준을 세웠습니다.
하이든의 교향곡은 커리어 기간 동안 커졌다. 작곡가가 작고 중간, 늦게 3 시간으로 나뉘어 질 때 그의 교향곡 작곡의 성장은 듣기 쉽다.
- 초기 교향곡 (1757-1768) :이 때 하이든은 교향곡을 작곡을 통해 실험 할 수있는 형태로 생각했으며, 이를 높은 사회 사람들을위한 가벼운 오락으로 생각했다. 그러나 심포니 만의 독창적 인 하이든의 초기 심포니는 연주자들을위한 독창적 인 구절과 모든 심포니를위한 새롭고 신선한 소재를 만들 수있는 작곡가로서의 다목적 성을 보여줌으로써 연주자의 기술을 보여 주려고했습니다.
- 미들 심포니 (1769-1781) : 심포니에 대한 대중의 인식이 변하기 시작하면서, 심포니에 대한 하이든의 견해 또한 변하기 시작했다. 하이든은이 교향곡을보다 진지한 예술 형식으로 시작했으며, 그 결과 음악가들에게 더 복잡한 음악적 구성 기법, 보다 역동적 인 역동 성과 음악 표현, 복잡한 리듬을 사용하여 음악가들에게 더 큰 음악적 요구를 가하기 시작했습니다. 하이든은 또한 새로운 Sturm과 Drang 문학 운동의 요소를 그의 교향곡에 포함시키기 시작했습니다. (Sturm and Drang은 폭풍과 스트레스로 전환되며, 이 운동은 극단적 인 감정 표현을 강조합니다). Sturm과 Drang을 교향곡에 통합함으로써 Haydn은 음악의 감정을 높이고 대조적 인 음악 섹션을 제공 할 수있었습니다.
- 심포니 후기 (1785-1802) :이 심포니 (주로 파리와 런던 심포니)는 하이든의 작곡 경력의 정점입니다. 하이든이이 교향곡을 쓸 때 그는 대부분 플루트와 바순에 오케스트라에 더 많은 악기를 추가했고 때로는 클라리넷, 팀파니, 트럼펫을 포함시켰다. 그의 고조파 언어는 그의 경력에서 가장 발전된 것이며 음악 아이디어 개발은 최고 수준으로 개선되었습니다. 이 교향곡은 하이든의 가장 기억에 남는 일이며 오늘날도 전 세계 콘서트 홀에서 자주 공연됩니다.
심포니의 초기 역사와 추천 듣기
하이든은 평생 동안 그리고 정기적으로 공연 된 교향곡을 작곡 한 최초의 작곡가이지만 교향곡의 창시자는 아니었다 (일반적인 오해). 현재는 교향곡을 발명 한 것으로 인정받을 수있는 독신자가 없으며 오히려 이탈리아에서 인기있는 콘서트 이벤트로 시작하여 유럽 전역으로 퍼져 결국에는 세계로 퍼져 나 가면서 발전하고 있습니다.
하이든이 죽을 무렵에 교향곡은 악기 클래식 음악의 정점이되었다. 베토벤과 다른 위대한 작곡가들은 교향곡 작곡에 대한 통치를 받아 오늘날 우리가 그것을 인식하는 예술 형식으로 변형시킬 수있는 문을 열었습니다.
추천 듣기 :
- 삼 마르티니-교향곡 32 번 F 장조
- Stamitz-E-flat 주요 교향곡 op. 11 # 3
- 하이든 (Early)-교향곡 8 (Le Soir)
- 하이든 (중간)-교향곡 45 (페어 웰)
- 하이든 (후기)-심포니 92 (옥스포드)
