클래식 음악의 간략한 역사

클래식 음악이란 무엇입니까?

사람들이 "클래식 음악"이라고 부르는 것의 많은 부분이 실제로 그렇지 않다는 것을 알고 있습니까? 엄밀히 말하면, 클래식 음악은 특정 시대의 음악 작곡만을 의미합니다. 이것은 까다 롭고 학술적인 것처럼 보일 수 있지만 클래식 음악의 경계를 알면 좋아하는 음악 상점의 클래식 음악 섹션을 숙고 할 때 좋아하는 음악을 쉽게 찾을 수 있습니다. .

다음은 사람들이 일반적으로 클래식 음악이라고 부르는 다양한 음악 기간에 대한 간략한 개요입니다.

중세 음악 (400-1400 AD)

중세 음악은 본질적으로 종교적이며 성가와 비슷합니다. 이에 대한 기술적 용어는 말로 표현하는 "단일 노트"입니다. 모노 포닉 음악은 반주없이 멜로디만으로 구성됩니다.

이 시대의 가장 유명한 음악 유형은 교황 그레고리 1 세의 이름을 딴 그레고리오 샹트 (590-604)입니다. 그레고리오 성가는 명상적이고 매우 편안합니다.

르네상스 음악 (1400-1600 AD)

두 개 이상의 음악적 음성 인 폴리포니 (Polyphony)가이시기에 더욱 대중화되었습니다. 음악은 종종 반주를위한 특정 악기와 볼룸 댄스에서 귀족을 즐겁게하기 위해 쓰여졌습니다. 플루트와 피콜로의 초기 선구자 인 레코더와 현대 기타의 조상 인 Lute는 오늘날 가장 인기있는 악기 중 하나였습니다.

바로크 음악 (때로는 로코코) (1600-1750 AD)

"바로크"라는 단어는 사치 스럽거나 복잡한, 특히 장식적인 것을 의미합니다. 이것은 가발, 장식 코트 및 레이스의 시대였습니다. 당시의 음악은 이러한 트렌드를 반영합니다.

단순성은 복잡한 고조파 텍스처로 대체되었습니다. 이에 반해, 2 ~ 3 개의 멜로디를 동시에 사용하는 것은 물론 고조파 변화가 빈번해졌습니다. 폴리포니 (Polyphony)는 "모방 폴리포니 (Imitative Polyphony)"라고하는 것으로 더욱 향상되었으며, 이는 일반적으로 오케스트라의 각 악기에서 차례로 픽업되고 에코되는 멜로디 라인입니다. 이것은 보컬 어레인지먼트에서 사용될 때 "라운드"로 알려져 있습니다. 어린이 노래 "Row, Row, Row Your Boat"는 종종 한 라운드에서 부릅니다.

춤은 계속 인기를 얻었지만 토카타와 푸가, 스위트, 전주곡, 테마 및 변형과 같은 새로운 형태의 음악도 눈에 띄게 상승했습니다.

현장의 새로운 악기는 키보드였습니다. 이 시대에는 하프시 코드, 클라비코드 및 오르간과 같은 건반 악기 용으로 작곡 된 음악이있었습니다. 모두 현대 피아노의 조상이었습니다. 음악은 오보에, 플루트, 바순 및 다양한 뿔을 위해 쓰여졌습니다. 녹음기는 덜 좋아졌고 바이올린, 비올라, 첼로는 인기를 얻었습니다.

바로크 시대의 끝과 로코코 시대라고 불리는 고전의 시작 사이에는 과도기가 있습니다. 대부분의 음악은 일반인과 비슷하기 때문에 이것은 대부분 학계의 구별 문제입니다.

이시기에 등장한 주요 음악 형식은 협주곡이었습니다. 협주곡은 무브먼트라는 대조적 인 섹션으로 작성되었으며 일반적으로 솔로이스트가 등장했습니다. 바로크 시대의 협주곡의 가장 유명한 예는 Antonio Vivaldi의 Four Seasons 일 것입니다.

고전 시대 (기원 1750-1820 년)

고전 시대에는 "대중들"이 점점 더 많은 공개 콘서트와 공연으로 음악적 경험에 참여하기 시작했습니다. 일반 대중이 콘서트 비용을 지불하기 시작하면서 작곡가는 대중에게 호소하는 한 원하는 것을 더 많이 쓸 수있었습니다. 그들은 더 이상 귀족이 듣고 싶어하는 것을 쓸 필요가 없었습니다.

클래식 음악 작곡의 초석은 균형이었습니다. 바로크 시대에 선호되는 화려하고 지나치게 화려한 스타일은 고전 시대에 유리하지 않았습니다. 이 새로운 스타일은 오늘의 제목에 반영되었습니다. 작곡은 더 이상 "사계절"과 같은 꽃 같은 제목을 사용하지 않았습니다. 대신 작곡은 "피아노 협주곡 9 번"과 같은 사실 제목이 더 중요했습니다.

이시기의 새로운 음악 형식에는 미니어처, 론도, 심포니 및 소나타가 포함되었습니다. 하모니는 계속해서 다성 원소를 포함했지만, 모방 적 다 성질은 좋아지지 않았다. 하모니는 주로 반주가있는 단일 선 멜로디였으며 케이던스 (악기의 끝을 알리는 일련의 코드)를 사용했습니다.

계측의 주요 혁신은 문자 그대로 "부드러운 소리"를 의미하는 피아노 포르테의 발명이었습니다. 키보드 악기의 이전 버전은 압력에 민감하지 않았습니다. 예를 들어 하프시 코드에서 생성 된 사운드는 "이론을 간지럽 히거나"Jerry Lee Lewis와 같이 위아래로 점프하든 상관없이 동일합니다.

Classical period 컴포지션의 스타일은 이전 시대보다 동일한 움직임으로 부드럽고 큰 통로를 포함하는 더 역동적이었습니다.

낭만주의 시대 (1820-1900 AD)

고전 시대가 균형을 이루고 세련되었던 곳에서 낭만주의 시대는 표현적인 구성으로 표시됩니다. 시는 음악으로 설정되었고 음악 테마는 이야기를하는 데 사용되었습니다.

보다 표현력이 높고 실험적인 측면을 고려하여 적절한 길이, 이동 횟수 및 작품 계측에 관한 협약은 포기되었습니다. 이것은 etudes, 변형 및 캐릭터 조각과 같은 새로운 형태로 이어졌습니다.

12 음표의 음계 하모니, 반음, 우세 및 7 분 음표가 널리 사용되었습니다. 풍부한 질감과 화음도 인기가있었습니다. 리듬이 더욱 복잡해져 싱크 로프 레이션이 사용되었습니다. 멜로디는 다양한 프레이즈 길이, 더 역동적 인 음량 및 템포를 사용하여 노래와 비슷하고 표현력이 뛰어났습니다.

피아노는 중요성을 얻었으며 야행성, 즉석식 및 황홀경을 포함 하여이 시대의 많은 구성의 주제였습니다.

20 세기 클래식 음악 (1900-)

20 세기에는 엄격한 음악 형식 규칙이 완화되었습니다. 종종 20 세기 클래식 음악의 유일한 한계는 작곡가 자신의 상상력이었습니다.

작곡가는 구조와 내용이 우연히 남는 형태로 실험했습니다. 그러한 구성 중 하나는 작품의 공연을 듣기 위해 모인 청중의 소리 일 뿐이며, 그들이 공연 자임을 깨닫고 기침, 셔플 등을하는 것만이 "음악"입니다.

20 세기 음악의 조화는 증가 된 불협화음과 반음계, 오각 음계 및 모달 음계 사용을 특징으로합니다.

계측은 계속 발전했습니다. 피아노는 여전히 사용되지만 신디사이저와 전자 키보드도 사용됩니다.

20 세기 이후의 음악은 종종 다중 리듬 (하나 이상의 리듬)이며 강한 불협화음과 모호한 멜로디를 특징으로합니다. 이러한 유형의 음악은 속죄이며 예측할 수없는 경향이 있습니다.