어니스트 Chausson (1855-1899) – Poème, Op.25
Chausson은 44 세의 나이로 조기 사망으로 유망한 경력이 줄어든 프랑스 작곡가였습니다. 법학 연구를 마친 후에는 파리 음악원에서 Massenet과 Franck와 함께 작곡을 공부했습니다. 그는 사망 할 때까지 프랑스 음악을 홍보하는 단체 인 Société Nationale de Musique에서 근무했습니다.
그의 작곡 결과는 작지만 중요했습니다. 돋보이는 작품 중 하나는 바이올린과 오케스트라를위한 Poème입니다. 이 단일 운동 작품은 벨기에 바이올리니스트 Eugène Ysaÿe의 요청에 따라 1896 년에 출판되었습니다. 그것은 러시아 소설가 Ivan Turgenev의 사랑의 승리의 노래 ( Le Chant de l' amour triomphant )를 기반으로하며, 같은 여성과 사랑에 빠진 두 젊은이의 이야기를 들려줍니다.
이 작품은 어둡고 어두운 분위기에서 시작되며 바이올린은 친밀한 카덴자 같은 문장으로 들어갑니다. 음악은 곧 더 열정적이되고, 바이올린 부분은 서정적 인 멜로디와 가상의 구절을 감정적으로 표현합니다. 바이올린 연주자 Vincent P. Skowronski는이 곡을 연주하려는 바이올린 연주자에게 다음과 같은 조언을했습니다.
“Poème은 길고 어렵고 관능적으로 연주 경험이 많으므로 최대한 많은 에너지를 절약해야합니다. 그러나 만화경 팔레트가 처리 할 수있는만큼의 에너지를 소비하는 경우가 많기 때문에 그러한 엄청난 양의 바이올린 연주로 프리휠을 할 기회는 거의 없기 때문입니다.”
Vadim Repin은 Chausson의 Poème을 연기합니다
랄프 본 윌리엄스 (1872-1958) – 라크 오름차순
라크 오름차순 (1881)은 조지 메리디스 (George Meridith)의시입니다. 하늘의 노래는 하늘의 노래를 부르고 있습니다. Vaughan Williams는 1914 년에 바이올린과 피아노를 위해 같은 이름의 음악 작품을 작곡하도록 영감을 주었고 나중에 1920 년에 바이올린과 오케스트라를 위해 음악을 다시 썼다. 그 이후로 특히 영국에서 인기있는 작품이되어 정기적으로 공연을합니다.
작곡가는시의 선을 그의 점수의 파리 잎으로 인용했다. 음악은 매우 연상 적이며 인상주의의 특성을 보여주었습니다. 5 음계, 모드 및 자유 흐름 리듬을 사용하면 영어 풍경과 밀접한 분위기가 조성됩니다. 1 차 세계 대전 때 작곡 된 음악의 평온은 당시 상황과 모순되었습니다. 이 작품은 국가가 국가적 정체성을 확립하려고 시도하던시기에 영어 스타일의 표현이되었습니다.
재닌 얀센은 본 윌리엄스에 의해 라크 오름차순을 연주
카밀 생생 (1835-1921) – Danse Macabre, Op.40
죽음의 춤으로도 알려진 Danse Macabre는 원래 Henri Cazalis의 텍스트를 기반으로 한 음성 및 피아노를위한 예술 노래였습니다. 1874 년 생생 (Saint-Saëns)은 보통 콘서트 마스터가 연주하는 유명한 솔로 바이올린 파트로 오케스트라를위한 음색의 시로 만들었습니다.
음악은 하프에서 12 번의 반복 된 음표로 시작하여 시계가 자정에 도달했음을 나타냅니다. 그런 다음 솔로 바이올린은 음악에서 악마로 알려진 삼중 톤으로 들어갑니다. 열린 현은 E 현이 E 플랫 ( scordatura )으로 조정되어 있습니다. 수수께끼의 댄스 테마는 강도와 에너지가 증가하면서 다른 악기 섹션으로 전달되었습니다. 장례식에서 일반적으로 들리는 레퀴엠 인 Dies Irae 의 인용문은 작품 중간에 들릴 수 있습니다. 마지막으로, 수탉의 까마귀와 비슷한 오보에 동기로 조각이 갑자기 바뀌고 솔로 바이올린이 연주하는 주요 건반의 조용한 멜로디가 이어지며 새벽이 깨지는 것을 암시합니다.
생생한-Danse Macabre, Op 40
레너드 번스타인 (1918-1990) – 플라톤 심포지엄 이후 세레나데
플라톤 심포지엄 이후 베른슈타인의 세레나데는 1954 년 독주 바이올린, 현악기, 하프 및 타악기로 작곡되었습니다. 바이올린의 5 악장 협주곡으로 간주 될 수 있습니다. 심포지엄은 플라톤의 철학적 글로, 사랑의 주제에 대한 주목할만한 남자 그룹의 가상 대화를 묘사했습니다. 번스타인은 그의 음악의 각 부분을 심포지엄의 연사에게 지명했다.
Koussevitzky Foundation은이 작업을 의뢰했으며 Bernstein은 1954 년 Isaac Stern을 독주자로 초연했습니다. 자주 바뀌는 미터와 예측할 수없는 리듬 패턴으로 인해 바이올리니스트와 오케스트라 모두에게 매우 어려운 과제입니다. 번스타인의 꼼꼼 함은 그의 최고 콘서트홀 작품 중 하나로 간주되는 점수에서 볼 수 있습니다.
번스타인은 그의 세레나데에 대해 다음과 같이 논평했다.
I. Phaedrus-Pausanias (Lento-Allegro) : Phaedrus는 사랑의 신 에로스를 찬양하는 서정적 인 연설로 심포지엄을 연다. (솔로 바이올린으로 시작한 후 가토) Pausanias는 연인과 사랑하는 이원성을 설명하면서 계속합니다. 이것은 개통 fugato의 재료를 기반으로 고전적인 소나타 알레그로로 표현됩니다.
II. 아리스토파네스 ( Aristophanes ) : 아리스토파네스는이 대화에서 광대의 역할을하는 것이 아니라 잠자리에 들었던 이야기꾼의 역할을하면서 동화 속 사랑의 신화를 불러옵니다.
III. Erixymachus (Presto) : 의사는 사랑 패턴의 작용에 대한 과학적 모델로서 신체적 조화를 말합니다. 이것은 미스터리와 유머의 조화로 태어난 매우 짧은 fugato scherzo입니다.
IV. 아가톤 (Adathon) : 아마도 대화에서 가장 감동적인 연설 인 아가톤의 창자는 사랑의 힘, 매력 및 기능의 모든 측면을 포용합니다. 이 운동은 간단한 3 파트 곡입니다.
V. 소크라테스 —Alcibiades (몰토 테누토 – Allegro molto vivace) : 소크라테스는 선견자 Diotima를 방문하여 사랑의 악마에 관한 연설을 인용하면서 설명합니다. 이것은 이전의 어떤 움직임보다 더 큰 무게의 느린 소개이며, 아가톤 운동의 중간 부분에 대한 고도로 발전된 보복으로 작용하여 숨겨진 소나타 형태를 제안합니다. 알치 비아 데스 (Alcibiades)와 술 취한 밴드의 유명한 방해자들은 알레그로 (Allegro)를 안내합니다. 알레그로 (Allegro)는 흥분에서 춤추는 춤 음악, 즐거운 축하에 이르기까지 정신에서 확장 된 론도입니다. 축하 행사에 재즈의 힌트가 있다면, 그것이 그리스 시대의 파티 음악으로 간주되지 않고, 시대를 초월한 디너 파티의 정신으로 가득 찬 현대 미국 작곡가의 자연스러운 표현이되기를 바랍니다.
"예술 작품은 규칙을 만들고 규칙은 예술 작품을 만들지 않습니다." -클로드 드뷔시
